Sol en béton sans tapis et murs blancs sont de mise pour cet Artparis 2010. Pas de moquette ou autres chichis inutiles : juste les stands des galeries et leurs artistes. L’influence du nouveau directeur stratégique  Lorenzo Rudolf, qui a dirigé la prestigieuse foire de Bâle de 1991 à 2000, se fait sentir dès l’entrée : les deux scultpures de l’Atelier Van Lieshout (Jousse entreprise) et de Douglas White (Nuke), ainsi que l’installation vidéo canine du sulfureux Oleg Kulik (Rabouan Moussion) donnent une tonalité plus « créative » que marchande à l’expo. Tonalité qu’on retrouve  avec les gigantesques peluches fluo de Tokyo Konan à l’Acte 2  galerie, le vis à vis sympathique de la belle (Françoise Petrovitch) et la bête (Fabien Verschaere) chez RX,  les minis écrans insérés dans des médicaments de Samuel Rousseau chez Aeroplastics, ou encore le tout jeune Venice Projects qui propose des sculptures en verre de Murano signées Jan Fabre, Koen Vanmechelen, ou Jaume Plensa.

Autre tendance, mais plus attendue, de Artparis : beaucoup de photos très grands formats, et d’oeuvres papier.

Dans la catégorie onr man-show, on notera les dessins de Jérôme Zonder chez Eva Hober et Nicolas Panayotou chez Valentina Volchlova.

Les grandes galeries parisiennes présentent souvent de manière classique leurs maîtres ( par exemple Meese,Garouste, Adami…chez Templon).  D’autres jouent le jeu sympathique du + guest (Le cabinet d’architecte Jean de Gastines chez Jean Brolly ou Marie Darieussecq chez Valérie Bach). Enfin, dans les aires géographiques, la plateforme géographique « Afrique » située au fond de la nef est extrêmement intéressante. On notera notamment la douce violence de la Tour Eiffel décapitée du Mozambiquais Gonçalo Mabunda.

Et comme d’habitude, en final, les coups de coeur de la boîte à sorties :

- Les pastels oniriques de Irving Petlin inspirés par les images des livres de Sebald chez Ditesheim

- Les enfants pervers du finnois Jarmo Mäkila chez Heino

- Les compositions abstraites de Judith Reigl chez Kálmán Makláry

ArtParis + Guests,  du  18 au 22 mars, 10h-22h, (lun : 18h), Grand Palais, avenue Winston Churchill, Paris 8e, m° Champs-Elysées Clemenceau, 20 euros (artistes et étudiants 10 euros).

Ne manquez pas ce soir la projection du documentaire sur le témoignage de Samuel Fuller sur son travail à Falkenau, en présence de Georges Didi-Huberman.

Déjà très célèbre à Hollywood, notamment pour ses comédies musicales comme « Swing Time » avec le couple Astaire/Rogers, George Stevens s’est engagé en 1943 dans l’armée américaine au service de la communication, le signal corps. Eisenhower lui a demandé de créer une unité spéciale de tournage, la SPECOU (Special Coverage Unit). C’est cette unité -composée de 45 pérsonnes- qui est allée filmer la libération du camp de Dachau à partir du 3 mai 1945. Le responsable de chaque unité faisait un rapport quotidien des activités. Un rapport hebdomadaire, souvent signé par Stevens lui-même, était également rédigé chaque semaine. Membre de l’équipe, l’écrivain Ivan Moffat, a également tenu un cahier relatant les activités de la SPECOU. Très conscients du fait que leurs concitoyens risquaient de ne pas croire ce qu’ils ont vu, les membres de l’équipe de Stevens documentaient avec attention leurs rapports d’activités et de prises de vues. Ils ont également pu interviewer une quinzaine de prisonniers du camp, dont le résistant français Edmond Michelet. 3 de ces entretiens sont visibles à l’exposition du mémorial.

« Crime reporter » reconnu pour certains tabloïds américains avant la guerre, Samuel Fuller a rejoint en 1942, la fameuse première division d’infanterie de l’armée américaine (« The Big red one »). Il s’est  fait envoyer une caméra en Tunisie par sa famille, et sachant cela, l’armée lui a demandé d’aller filmer la libération du camp Falkenau. Aidé d’une équipe de professionnels  d’hommes formés pour recueillir des images témoins, il a ainsi tourné son « premier film ».

John Ford était réserviste dans la Marine pendant la guerre. Il y a créé dès 1939 la Field Photo de la 11e section navale,  une section très indépendante vis-à-vis de la hiérarchie militaire, qui s’est trouvée fin prête pour aller filmer un documentaire sur Pearl Harbor, juste après l’attaque japonaise. Cette section de cinéma est devenue la Field Photographic Branch (FPB), comprenant une soixantaine de techniciens, spécialement formés pour filmer les évènements historiques. Contrairement aux idées reçues, les membres des équipes de la FPB étaient très préparés à immortaliser des témoignages et suivaient une procédure très précise,. Celle-ci était explicitée dans un cahier des charges sur les manières de filmer pour que les documents soient considérés comme authentiques. Ce fascinant cahier des charges est exposé au mémorial. « December Seventh » puis « The battle of Midway » sont deux documentaires réalisés par l’équipe de Ford pendant la guerre et qui lui ont permis de remporter deux oscars en 1943 et 1944.

Lorsque le Tribunal Militaire International de Nuremberg a été mis en place, à l’été 1945, le procureur Jackson a demandé à la FPB de Ford de reprendre les images de la libération de Dachau prises par la SPECOU de Stevens, afin de réaliser une partie du film « Les camps de concentrations nazis » (qui montrait également des images russes de la libération du camp d’Auschwitz, projeté à Nuremberg le 20 novembre 1945.

L’exposition montre également comment leur expérience de la guerre a influencé les films des trois réalisateurs américains après qu’ils ont quitté l’armée. Stevens est revenu à Dachau avant de réaliser son journal d’Anne Frank, Fuller a utilisé des images de la libération  de Falkenau pour Verboten et certaines scènes de camps ont influencé les images des Raisins de la colère de Ford.

Mêlant textes (lus par Matthieu Amalric et Jean-François Stévenin), films, documents historiques de l’armée américaine et témoignages des réalisateurs, l’exposition « Filmer les camps » est sténographier de manière à parler à la fois aux historiens et aux cinéphiles. Elle explique bien les techniques de réalisation des années 1940, et exprime combien la problématique de savoir comment filmer pour enregistrer des preuves inattaquables a été au cœur des équipes chargées de filmer les camps pour l’armée américaine.

« Filmer les camps, John Ford, Samuel Fuller , George Steven, de Hollywood à Nuremberg », jusqu’au 31 août 2010, Mémorial de la Shoah, tljs sauf samedi 10h-18h, 17, rue Geoffroy l’Asnier, Paris 4e, m° Saint-Paul ou Pont Marie, entrée libre.

Pour voir l’ensemble des projections rencontres autour de l’exposition, cliquez ici.
Un cycle Hollywood et la Shoah est organisé à partir du 25 mai.

Photo : 1944 © George Stevens Paper, Margaret Herrick Library, Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Tandis que le Romantisme des années 30 bat son plein dans la capitale parisienne, le dandy mélomane arrivé de Pologne vient conquérir la cité du Piano, tel un héros balzacien. L’exposition invite ainsi ses visiteurs à comprendre comment la vie romantique parisienne a influencé l’œuvre du prodige, principalement au travers de ses rencontres.

Pleyel, Sand, Delacroix, ils sont très nombreux à orner les murs de l’exhibition : tous sollicitèrent Chopin et participèrent au succès de sa carrière musicale. Gravures, lithographies, coupures de presse, lettres manuscrites, correspondances, partitions… Les documents affluent, illustrant une époque où la vie romantique se jouait essentiellement dans les salons, noyaux de la sociabilité mondaine et berceaux des échanges dans les arts.

Le piano est ici célébré dans toute sa dimension, plus qu’un instrument de musique, il s’inscrit dans le mobilier bourgeois de l’époque, célébré comme un objet d’art à part entière. La présence des instruments de Chopin nous fait entrer au cœur du mécanisme de son œuvre, ses pianos parlent pour lui, tel des doubles, ils s’accordent  avec lui dans une symbiose parfaite.

Chopin se révèle sous ses multiples facettes, au travers de ses Mazurkas et de ses Polonaises, il joue et met  en musique la Pologne, véritable pianiste politique, ses compositions sont élevées au rang de musiques d’art. Enfin, transparaît l’extraordinaire polyphonie de son œuvre, ici ce sont des valses, des préludes, des nocturnes, des concertos, des scherzos ou encore des tarentelles qui bercent nos oreilles rappelant le génie de cet improvisateur né qui composait directement au piano selon une création spontanée miraculeuse.

Puis ce sont des sélections de textes littéraires et d’œuvres musicales enregistrées selon un parcours sonore. Seule la Marche Funèbre manque au rendez-vous. Enfin, la touche finale se situe à l’écran, quelques extraits de films sont présentés dans un salon de cinéma : l’œuvre musicale semble propice à soutenir le discours cinématographique dans des registres très divers, une jolie manière de boucler la boucle.

Chopin à Paris, l’atelier du compositeur, du 09 Mars au 06 Juin 2010 à La Cite de la Musique, 221, avenue Jean Jaurès, 75019 Paris, Métro Porte de Pantin, Ligne 5.

De nombreux concerts sont également organisés autour de l’exposition tant à la Cité de la Musique qu’à la Salle Pleyel : www.cite-musique.fr www.sallepleyel.fr

Une pièce de filles-femmes, réjouissante, légère et intelligente, que la boîte à sorties pour propose de découvrir. Et Alors…?! dresse le portrait de la féminité à l’état pur

Le Théo Théâtre accueille sur ses planches une compagnie toute jeune mais sacrément prometteuse. Quatre filles ferment la porte de leur adolescence pour entrer, enfin, dans la vie adulte, avec pertes et fracas.
Réservez votre soirée du vendredi 12 mars et participez à notre jeu concours. 2×2 places à gagner pour une sortie théâtre pleine de charme.

C’est le Nord qui vole la vedette à la capitale du 22 au 25 avril, accueillant des chanteurs d’origines diverses, reconnus mais qui évoluent loin des circuits classiques. C’est donc pour le public une très bonne occasion de rencontrer de grands artistes et les cultures du monde.
Le Festival revendique la musique comme langage universel, qui unit les hommes dans un concert fraternel : «Le but est de réinventer le monde et l’humanité qui s’y rattache» selon Jean-Louis Maire, directeur artistique du Festival.
Ce Monde musical miniature se déplace pour trois jours sur le parvis du Palais littoral, dans le cœur de la forêt Amazonienne, décor suspendu, imaginé pour l’occasion.
Savannah Sound inaugure le festival, avec des rythmes dansants, zouk, folk, rumba, immédiatement suivis par des sons indiens. Bollywood investit Grande-Synthe, l’Inde gorgée de soleil et d’épices se mélange avec les sons électriques pour faire danser les spectateurs.
La grande Natasha Atlas comble de sa voix douce et profonde, ses airs aux accents arabes envoûtent. L’indien Trilok Gurtu est un compositeur hybride, qui compose des chansons chimères, à la fois rock, jazz, classique. A ces deux grandes stars s’ajoutent des artistes qui méritent d’être rencontrés : Mukta, trio Niyaz, Justin Adams et Juldeh Camara, Pura Fé, Trans(e) Tambourin, Sevara Nazarkhan. Au programme musical s’ajoutent animations, contes, jeux, expositions, ateliers de danses et dégustations, pour découvrir les cultures en profondeur, dans un dépaysement total, brutal et enivrant.
L’hémisphère sud s’invite à 2h de Paris, les sons d’Afrique, d’Asie et d’Amérique Latine vont s’entremêler, donnant à la musique sa force universelle.

Informations :

Festival des Mondes Pluriels – du vendredi 23 au dimanche 25 avril – Palais du Littoral, rue Garnier, 59 760 Grande-Synthe – tarifs entre 40 € et 15 €, gratuité des animations – Réservation 03 28 24 49 00 ou par mail billeterie@ville-grande-synthe.fr– informations et programme sur le site.

L’espace Kiron à Paris se transforme en ambiance feutrée et en salle chauffée pour un spectacle musical coloré. C’est Omar Edwards, tap dancer et chorégraphe, qui réunit pour la première fois à Paris douze artistes sur scène pendant une heure et demi. Le scénario est simple, mais les danses impressionnantes. Un danseur de claquettes se promène et danse aux rythmes de divers sons musicaux, accompagné par un orchestre entrainant composé d’un pianiste, un batteur, un guitariste et un bassiste. Il est alors attaqué par quatre danseurs de hip hop. Une bataille entre les deux styles de danse se livre à travers de belles chorégraphies, pour terminer par une fusion improbable. Omar Edwards est un tap dancer New Yorkais. Il a commencé les claquettes à l’âge de 13 ans. Son épopée artistique débute et il travaillera avec les plus grands. Depuis 2006, il est chorégraphe et possède ses propres studios à Harlem. De grands artistes sont déjà passés entre ses mains pour apprendre le Tap dance, comme Michael Jackson ou Alicia Keys, et de nombreux esthètes des shows de Broadway.

Spectaculaire et éloquent, le danseur swing sur tous les rythmes dans une ambiance jazzy. Omar Edwards apporte avec lui sa ville natale le temps d’un spectacle. Pour les amoureux de New York, la petite perle de la soirée est l’alliance du Tap dance avec la dernière chanson d’Alicia Keys, « Empire State of Mind ». Un bijou.

Credits photos : François Vila

Passion of tap, les 3 et 4 mars à 20H00 et le 6 mars à 15h00 et 20h00 à l’espace Kiron, 10 rue de la Vacquerie, 75011, M° Voltaire, 20 euros. Réservations au 01 44 64 11 50.

Le groupe gagne en maturité avec cet album qui mélange les sons, les influences et les rythmes, sans jamais perdre le fil. Les chansons s’enchaînent comme une évidence, grâce au son Absynthe Minded, si reconnaissable.
If you don’t do I don’t go, a des accents de jazz, le violon donne à ce morceau une densité surprenante. La voix de Bert Ostyn se fait lourde comme du velours sur un accompagnement simple. Dead on my feet est plus électrique et oscille entre l’étrangeté des sons et les airs vieillots bien menés. Paramount commence presque comme Don’t let me down des Beatles, mais se transforme en ballade romantique, rock et équilibrée. Forteress Europe mêle un violon à la force tzigane entraînante et une guitare qui s’affole. Weekend in Bombay est un véritable voyage en Inde, européenne et envoûtante.

Anbsynthe Minded a décroché quatre Music Industry Awards en janvier 2010 avec cet album : Meilleur disque 2009, Meilleur band 2009, Meilleur single 2009 (‘Envoi’), Meilleur rock/alternative
La composition du groupe n’a pas changé en six ans, ce qui lui permet d’approfondir ses signatures musicales. Jan Duthoy (piano, orgue Hammond), Sergej Van Bouwel (contrebasse), Renaud Ghilbert (violon), Jakob Nachtergaele (batterie) et le grand Bert Ostyn sont désormais des acteurs incontournables du rock belge, donc autant dire européen. Le groupe est à Paris le 7 avril prochain au Nouveau Casino.

Avec quelque scepticisme, on voyait débarquer l’extravagante en 2008, d’abord avec « Just Dance », puis surtout avec l’imparable « Poker Face ». À prêter une oreille distraite, on se disait que cela ne valait guère mieux que l’eurodance bas du plafond d’une Cascada… C’était un peu mésestimer la valeur de cette jeune artiste nouillorcaise, dotée d’une voix assez remarquable dont elle sait user sans abuser, de textes aux saillies parfois incisives (« Russian roulette is not the same without a gun / And babe, when it’s love, if it’s not rough, it isn’t fun ») et d’un univers visuel très singulier.

Chorégraphies, clips arty, costumes déments inscrivent l’artiste dans un lignage glam pop qui la rapprochent nettement plus d’Elton John, Klaus Nomi ou Freddie Mercury que du caniveau de l’eurodance. Et pour finir, d’écoute en écoute, on se prend à aimer, à se dire qu’il y a là un sens de la composition qui sait être assez accrocheur sans être parfaitement putassier, comme l’indiquent les plus récents « Bad Romance » ou « Paparazzi » ou la relecture de ses morceaux au piano dans une douceur soul très inattendue (voir plus bas avec « Poker Face » et « Bad Romance »). Lady GaGa apparaît alors comme étant la seule artiste crédible à la succession de Madonna, avec plus de  malice, de fermeté d’âme et… de cerveau que Britney Spears, Christina Aguilera et autres marionnettes interprètes sans vision.

La chanteuse sera en pleine actualité dans quelques jours, avec un nouveau clip/single avec Beyoncé (« Telephone », écouter ci-dessous), qui sera révélé le 10 mars. Elle sera enfin à Bercy le 21 mai. Attention aux yeux : cela risque d’être spectaculaire.

En septembre dernier, sortait le remarquable Le Cours ordinaire des choses, meilleur album du chanteur auvergnat depuis au moins Moscou (2005). Après une tournée promotionnelle qui n’est pas allée sans provoc et sans heurts (à l’image du passage chez l’insupportable Pascale Clark, à voir ici) – presque une tradition pour Murat, qui sait se jouer des impératifs médiatiques – l’artiste s’en est probablement retourné à la maison, pour travailler comme il le fait inlassablement depuis tant d’années de nouvelles gemmes… et peut-être préparer des versions alternatives à ses nouvelles chansons.

C’est que ce poète rockeur majeur de la chanson française de ces 20 dernières années a un goût consommé pour la scène, qu’il a la générosité et le bon goût de ne pas considérer comme la décalque de l’enregistrement studio. On se souvient par exemple d’albums live aussi exemplaires et parfaits que le Live in Dolores (1998) ou Muragostang (2000), sur lesquels, aux côtés de titres inédits, l’artiste avait offert une relecture ambitieuse et envoûtante des pièces issues de Dolores (1996) et de Mustango (1999).

Sa venue est évidemment très attendue par le public de fidèles muratiens. Il sera de passage au Bataclan le 9 avril.

Depuis le 24 février, l’exposition « Turner et ses peintres » met en lumière les grands inspirateurs -maîtres et contemporains- du grand paysagiste anglais. L’ étape française de cette grande exposition démarrée cet hiver à la Tate met en valeur l’impact des collections du Louvre sur l’art de Turner après sa visite de 1802 et notamment sa passion pour Claude Lorrain.

« Étudiez la nature attentivement mais toujours en compagnie grands maîtres. Considérez-les comme des modèles à imiter et comme des rivaux à combattre. » Sir Joshua Reynolds, Discours sur l’Art, 1779.

Né dans une famille modeste de Londres, William Yurner est un pur produit de la Royal Academy of Arts où les artistes apprenaient en copiant les grands maîtres. L’exposition « Turner et ses peintres » montre de quelles sources l’artiste s’est inspiré en donnant à voir ses copies et sublimations à côté des tableaux de maîtres classiques  ou de ceux de ses contemporains qu’il a su surpasser. Puis en évoquant la « Turner Gallery », salle où Turner reconnu exposait ses peintres préférés , les commissaires de l’exposition montrent la fidélité de la reconnaissance et de l’admiration de William Turner pour ses maîtres. Vu sous ce jour nouveau, le sublime des paysages turneriens prennent de nouveaux reliefs, et l’on découvre également certains portraits ou scènes mythologiques inspirés au peintre par Raphaël ou Titien. Plus qu’une simple rétrospective ou exhibition des trésors de la Tate (comme avait pu l’être par exemple l’exposition Turner du Metropolitan Museum de New-York à l’automne 2008), « Turner et ses peintres » est une réflexion sur les engendrements et les influences en peinture.

Intitulée « Un apprentissage britannique », la première salle découvre un jeune Turner connu pour ses talents d’aquarelliste, et sa préoccupation, ainsi que sa capacité, à s’inspirer de certains de ses pairs, comme son ami Thomas Girtin, pour les surpasser. La deuxième salle commence avec la consécration : l’élection comme membre associé à la Royal Academy en 1899, ainsi que l’impact de la première visite de Turner au Louvre en 1802, sur son œuvre. Le carnet de dessins pris par Turner dans les galeries du Louvres est particulièrement touchant. On comprend combien Poussin, Savator Rossa,  et surtout le Lorrain qui lui arrache des larmes, ont modifié la manière de peindre des paysages de l ‘aquarelliste passés à l’huile.

Adaptant  la mode vaporeuse anglaise le classicisme français, Turner adapte par exemple en 1805 « L’hiver ou le déluge » de Nicolas Poussin (1660-1664) et il modifie à peine dans « Appulia à la recherche d’Appulus » (1814) le « Paysage avec Jacob,Laban et ses filles » du Lorrain (1654). Enfin, inspirés du Titien, la « Sainte famille » ou « Venus et Adonis », deux toiles très éloignées des paysages classiques de Turner montrent des visages  éblouissants. Il n’y a pas que le Louvre qui fait de l’effet à Turner lors de son premier voyage à Paris, et la troisième salle de l’exposition montre comment le « salon de 1802″ a nourri la réflexion de Turner sur la perspective.

C’est seulement à la quatrième section de l’exposition « Les ressources du Nord » qu’apparaît le thème canonique de l’œuvre de Turner : la question de la lumière à travers sa passion pour Rembrandt (ne manquez pas la Jessica plus rembrandtienne que Shakespearienne peinte par Turner en 1830).

Dans la salle suivante « Le culte de l’artiste », les influences d’artistes aussi divers que Watteau, Raphaël, Canaletto, et Ruysdae! sont évoquées. A tous ces inspirateurs, Turner a rendu hommage dans la galerie qui jouxtait son atelier de la 64 Harley Street et où il exposait ses toiles. Celle-ci et sa lumière venue du plafond sont partiellement reconstituées au sein du Grand Palais. La sixième salle « L’inspiration sublime » évoque  la poursuite du « sublime » par les artistes de la génération de Turner. Bien avant Kant, cette notion de sublime avait été conceptualisée par Edmund Burke en 1757 en opposition à l’harmonie du beau. Ainsi, Turner imprime sur ses paysages blancs et gris d’avalanches toute l’émotion de la catastrophe.

Partant du postulat que pour un contemporain de Turner, voir son tableau exposé à côté d’une œuvre du peintre « est aussi préjudiciable que le voisinage d’une fenêtre ouverte », la section 7 « Expositions et compétitions »  montre la férocité de la concurrence, Turner n’hésitant pas à faire son cabot en « finissant » ses toiles en public sur le lieu de l’exposition. Enfin, la dernière grande salle « Turner et la postérité de sa peinture » prouve la durée de l’impact du Lorrain sur un Turner vieillissant et endeuillé. La section comprend des grandes toiles magistrales de Turner, comme le déclin de l’Empire Carthaginois, ainsi que les dernières toiles brouillées de soleils couchants et délicieusement inachevées  (« Solitude », « Paysage avec une rivière ».

Turner repose dans la cathédrale St-Paul de Londres et si ses plus grands chefs d’œuvres sont répartis entre la National Gallery et la Tate,  l’exposition « Turner et ses maîtres » prouve bien qu’au Louvre aussi on détient certaines clé pour comprendre la magie de ses toiles.

La programmation culturelle autour de l’exposition »Turner et ses maîtres » prévoit des visites, des conférences, des concerts et aussi des projections de films inspirés par Turner comme « meurtre dans un jardin anglais » de Peter Greenaway. Pour en savoir plus, cliquez ici.

Pour en savoir plus sur Turner, lire notre critique du documentaire d’Alain Jaubert.

« Turner et ses maîtres » jusqu’au 24 mai 2010, Grand Palais, 3, av. du Général Eisenhower, Paris 8e (entrée square Jean Perrin), m° Champs Elysées Clemenceau, ven-lun 9h-22h, mar 9h-14h, mer 10h-22h, jeu 10h-20h, 11 euros (TR 8 euros).

Crédits : Rmn & Tate Photography

La princesse du rock sera sur scène le 24 mars au Cithéa Nova à Paris. L’occasion de découvrir ou de redécouvrir ses titres comme « La bébée Princess » ou « je t’aime ». Aussi envoutante sur scène que sur ses titres, AnnaO a su conquérir le monde entier, et notamment Marc Collin (Nouvelle Vague), qui produit son prochain album « She was a Princess ». Sur scène, elle sera accompagnée de SuperBravo et de Little Big Djü, deux groupes rock aux inspirations anglo-saxonnes.

AnnaO en concert le 24 mars avec SuperBravo et Little Big Djü au Cithéa Nova de 20h00 à 23h00, 112, 114 boulevard Oberkampf, 75011, M° Oberkampf, 5 euros.

Le tableau « Le moulin Blute-Fin » a été attribué au grand maitre Vincent Van Gogh. C’est le musée Fundatie, situé dans le centre des Pays-Bas, qui a pu présenter l’œuvre. Ce tableau peint des Parisiens qui prennent l’escalier qui mène au moulin de Montmartre à Paris. De petite dimension, il a pourtant fait parler de lui. Il a été réalisé en 1886, alors que Van Gogh vivait à Paris. Pourtant, cette œuvre a mis du temps a être reconnue car elle n’est pas exactement dans la même lignée que les tableaux traditionnels. La présence de personnages est déjà inhabituelle. De plus, le conservateur d’art Dirk Hannema, qui avait acheté cette peinture en 1975 à Paris pour une valeur dérisoire, semblait surévaluer toutes ses œuvres. Ce dernier a toujours estimé ce tableau comme un authentique Van Gogh. C’est seulement aujourd’hui que l’œuvre est authentifiée. Pour fêter cette trouvaille, le musée Fundatie présente « Le moulin Blute-Fin » et deux autres œuvres du peintre jusqu’au 4 juillet.

La Cinémathèque de Paris diffusait lundi un court-métrage de 3 minutes et 30 secondes sur les sans-papiers qui luttent pour leur régularisation. Des sans-papiers qui travaillent, paient leurs impôts, les cotisations, mais qui ne peuvent pas obtenir de papiers français. De grands cinéastes, comme Laurent Cantet (Palme d’or du festival de Cannes en 2008 avec « Entre les murs »), Agnès Jaoui ou encore Jacques Audiard, se sont mobilisés pour réaliser ce petit film composé de témoignages pour le moins poignants et révoltants. Ce manifeste, signé par 350 cinéastes, est dans la lignée de la lutte des travailleurs sans-papiers qui a débuté en octobre dernier.  Le film est projeté depuis mardi sur internet et sortira sur les écrans d’Arts et d’Essais le 10 mars. Un court-métrage qui tombe à pic avec les élections régionales. L’objectif du collectif est d’obtenir la projection du film dans les grandes salles pour porter cette injustice jusqu’aux oreilles des français et des hommes politiques. Le cinéma a souvent eu des répercussions sur les thèmes de sociétés importants. On se rappelle notamment du film « Welcome » de Philippe Lioret qui parlait d’un réfugié Kurde qui tentait de traverser la Manche à la nage pour rejoindre le Royaume-Uni. Une dénonciation de la maltraitance des réfugiés de la jungle de Calais qui avait engagée de nombreux débats. Laurent Cantet, membre du collectif, a également rappelé qu’un film sur les enfants déscolarisés et menacés d’expulsion avait influencé avant les élections présidentielles de 2007. Le court-métrage « On bosse ici ! On vit ici ! On reste ici » est ainsi un élément supplémentaire sur le débat très actuel de l’immigration.

« On bosse ici! On vit ici! On reste ici! »
envoyé par liberation. – L’actualité du moment en vidéo.

Du 24 février au 4 mars, Jacques Audiard est à l’honneur au Cinéma du Panthéon à Paris. Une opportunité pour découvrir ou redécouvrir ses films. « Un Prophète », qui parle de l’ascension d’un jeune magrébin dans l’univers carcéral, et grand favori des Césars 2010, sera diffusé tous les jours à 14h30, 17h30 et 20h45. Le film a déjà raflé le Grand Prix du jury au Festival de Cannes 2009 ainsi que le prix Louis-Delluc 2009. Ses anciens films seront également projetés. « De battre mon cœur s’est arrêté », grand sucès en 2005 avec Romain Duris est sur grand écran samedi à 11h. « Sur mes lèvres » avec Vincent Cassel et Emmanuelle Devos sera diffusé dimanche à 11h et « Un héros très discret » avec Mathieu Kassovitz et Anouk Grinberg le lundi à 11h. Des films qui font tous aujourd’hui partie de la culture cinématographique française.

Rétrospective Jacques Audiard du 24 février au 1er mars, au Cinéma du Panthéon, 13 rue Victor Cousin, 75005, M° Cluny la Sorbonne, 8 euros, 6 euros, cartes UGC et le Pass acceptées.

Le film de Lucas Belvaux, Rapt, n’avait pas été un franc succès en France lors de sa sortie. Ce film est inspiré d’une histoire vraie : celle du Baron Empain. L’histoire s’est déroulée en 1978 à Paris. Cette affaire avait défrayé la chronique après l’enlèvement d’un homme d’affaires belge, le baron Empain, riche héritier. Il est libéré 63 jours après. Le rapt sera très médiatisé car le baron était proche du président de la République (Valéry Giscard d’Estaing) et sa famille est évidemment mêlée à l’affaire. Elle reçoit une demande de rançon de quatre-vingts millions de francs (soit environ douze millions d’euros) accompagnée de morceaux du corps mutilé du baron. La vie secrète de l’homme est petit à petit décortiquée et l’enquête dévoile de nombreuses choses. Une histoire abracadabrante et dramatique, adaptée à notre société contemporaine. Rapt a tout de même été nommé quatre fois

aux Césars 2010 ainsi qu’ Yvan Attal pour le  meilleur acteur. Les américains louchaient sur le film pour en faire un remake. C’est chose faite, Smuggler films a obtenu les droits. En France, le dvd sort le 18 mars.

Les « Anges Gardiens » vont chanter pour la lutte contre le cancer le 22 mars prochain au théâtre du MOGADOR. L’idée est de sensibiliser l’opinion mais également de réaliser des rêves d’enfants malades, et aider les hôpitaux grâce aux fonds récoltés. Cette année, les anges seront une cinquantaine sur scène.  On retrouvera les BB Brunes, Amel Bent, Julie Zenati, Grégoire, Stanislas, Hélène Segara, la troupe du Roi lion, et pleins d’autres encore. Il faudra également compter sur la participation des animateurs de télévision comme Nikos Aliagas, Sandrine Quétier, Bruce Toussaint. L’association va plus loin en permettant aux enfants malades de rencontrer les artistes et techniciens à Mogador ou même sur leur lieu d’hospitalisation, de visiter les coulisses du théâtre mais évidemment d’assister à l’une des représentations. Tout le monde peut devenir un « Ange Gardien » en envoyant un don à l’association « Tout le monde chante contre le cancer » à l’adresse suivante :

TOUT LE MONDE CHANTE CONTRE LE CANCER, BP 275, 12202 VILLERFRANCHE DE ROUERGUE CEDEX, 05 65 45 41 12

Réservez vos places en ligne pour le 22 mars, 25 euros.

Édition 2009 :